Julie Manet con su gato. RENOIR

Más de un error ha ocasionado esta pintura al atribuirse a Édouart Manet, creyendo que se trata de su hija. No lo es. Es su sobrina, hija de su hermano, quien encargó a Renoir este retrato.

El cuadro de Juan Genovés El abrazo (1976), considerado uno de los símbolos pictóricos de la Transición, descansa ya en las paredes del Congreso de los Diputados. "Es un permanente recordatorio de los valores de la democracia y debería servirnos a todos de guía e inspiración".

Este cuadro recoge la imagen de varias personas de color marrón, sobre un fondo blanco, dándose un abrazo y sin vérseles las caras.

Quiso transmitirnos Juan Genovés, que el futuro se construye sobre el abrazo y no sobre el enfrentamiento. Que la virtud principal que tenemos que practicar es la comprensión mutua, hay que trabajar en la capacidad de diálogo, en la transigencia, y en la búsqueda de consenso, características "esenciales" de una democracia.

El 1 de octubre de 1912 a las 18:30 horas
el pintor valenciano Joaquín Sorolla llega a
Soria y se aloja en el Hotel del Comercio,
situado en edificio de la actual librería
Santos Ochoa de la Plaza de El Rosel y se
marcha el día 9 del mismo mes. Llegó
acompañado de su discípulo José Benllíure y
en ese breve tiempo pinta cuatro cuadros:
‘Tipos de Soria’, ‘Aldeanos de Soria’,
‘Paisaje de Soria’ que se pudo contemplar
en 2009 durante la exposición de ‘Las
Edades del Hombre’ además otro lienzo del
que no se conoce su paradero.
En la imagen, Sorolla pintando en el Mirón
en Octubre de 1912 (Ministerio de Cultura.
Museo Sorolla), ‘Tipos de Soria’, ‘Aldeanos
de Soria’ y ‘Paisaje de Soria’

VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER

Sevilla, 1833-Madrid, 1870). Pintor español. Hijo de José, pintor costumbrista, queda pronto huérfano, criándose junto a su hermano Gustavo Adolfo al amparo de sus tíos maternos y guiado en el arte de la pintura por su tío Joaquín, también pintor de costumbres y profesor en la Escuela de Bellas Artes sevillana. Permanece en el taller de su tío hasta el año 1853, subsistiendo posteriormente a duras penas con la realización de retratos y la venta de pequeños cuadros de tema de género. Después de un matrimonio fallido que le dejará dos hijos a su cargo, se instala definitivamente en Madrid en 1862 en la residencia de su hermano, que desde hacía años vivía en la capital. La estancia en el monasterio de Veruela, en 1864, velando la convalecencia de su hermano e influenciado por las leyendas del lugar y la imaginación fraterna, le induce a pintar algunos temas fantásticos que compagina con la pintura de costumbres populares tomadas in situ. Pensionado en 1865 por el Ministerio de Fomento recorre las tierras de Soria, Aragón, Navarra y el País Vasco, para estudiar los tipos, trajes y costumbres españolas, realizando escenas de verdadero encanto captadas en la inmediatez, de aldea en aldea, que conformarán lo más selecto y prestigioso de su producción. Al advenimiento de la nueva situación política, en 1868, le queda restringida su pensión que era la única base de su economía, subsistiendo a partir de aquí y hasta el final de su vida gracias a colaboraciones periodísticas como dibujante y como escritor en El Museo Universal, El Arte en España y La Ilustración Española y Americana. También cultivó la pintura de retrato, sobresaliendo como ejemplo emblemático del género romántico el que pintó de su hermano Gustavo Adolfo (Museo de Bellas Artes de Sevilla). En enero de 1870 comienza con su hermano su ilusionada colabo­ración como dibujante en La Ilustración de Madrid, empresa en la que le sorprendió la muerte, víctima de una afección de hígado, el 23 de septiembre de ese mismo año, recibiendo sus restos sepultura en la madrileña Sacramental de San Lorenzo. Tan solo dos meses después moriría Gustavo Adolfo identificándose en ellos, para la posteridad, la imagen más estereotipada del hado adverso de la bohemia romántica. Procedentes de estas campañas divulgativas de las costumbres populares de la geografía peninsular, el Museo del Prado posee obras con escenas tomadas en Ávila, en el valle de Amblés, en El Burgo de Osma, en Soria y en el valle que circunda al Moncayo en Aragón. También guarda ejemplos de la retratística más convencional del pintor.

Más información: http://elige.soria.es/becquer-en-soria-una-aproximacion-sorianista/

El Profeta de Pablo Gargallo

El Profeta es una de las esculturas más conocidas de Pablo Gargallo (1881-1934), culminación de su concepto cubista de escultura del hueco. Es una pieza de 2,35 metros de altura con una gran fuerza expresiva. La figura representa un orador gritando con el brazo levantado mientras sujeta un bastón con actitud amenazadora. Existen diferentes copias de la obra repartidas en museos de todo el mundo, siendo destacable la que se puede admirar en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza.

Animales en la pintura

Los animales han sido durante muchos siglos protagonistas de la historia del arte. Muchos de los grandes pintores han elegido diferentes animales como motivos de algunos de sus famosos cuadros. Para algunos, los animales tienen mucha importancia en sus vidas o bien tienen un gran simbolismo dentro de su arte.

 (Cassius Marcellus Coolidge) pintor estadounidense

Tal vez sea una de las imágenes más famosas de animales como protagonistas de un cuadro. Este artista fue contratado por una agencia de publicidad para una campaña de tabaco, así que decidió pintar dieciséis cuadros al óleo, atribuyendo a los perros actitudes humanas. En la mayoría aparecen jugando al póker, de ahí que sean conocidos como Perros jugando al póker.

              Obra realizada para el Salón de Reinos del madrileño Palacio del Buen Retiro, actualmente destruido;  representa un episodio de la Guerra de Flandes ocurrido el 5 de junio de 1625. Tras un año de sitio por parte de las tropas españolas, la ciudad holandesa de Breda cayó rendida, lo que provocó que su gobernador, Justino de Nassau, entregara las llaves de la ciudad al general vencedor, Ambrosio de Spínola. Pero Velázquez no representa una rendición normal sino que Spínola levanta al vencido para evitar una humillación del derrotado; así, el centro de la composición es la llave y los dos generales. Las tropas españolas aparecen a la derecha, tras el caballo, representadas como hombres experimentados, con sus picas ascendentes que consideradas lanzas por error dan título al cuadro. A la izquierda se sitúan los holandeses, hombres jóvenes e inexpertos, cuyo grupo cierra el otro caballo. Posible autorretrato de Velázquez, que sería el último hombre de la derecha; al fondo aparecen las humaredas de la batalla y una vista en perspectiva de la zona de Breda.  

Pintor Charles Courtney Curran, Hartford, Estados Unidos, 1861-1942.

Tormento e inconformismo

El Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 y que se encuadra dentro de su obra capital “el Friso de la Vida”, es de estilo expresionista. La técnica usada fue óleo, temple y pastel sobre cartón. El tamaño es de 91 x 74 cm. Se encuentra en Galería Nacional de Oslo, Noruega.

¿Qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita?

El grito que Munch dirige a la ciudad no sólo transmite una angustia personal del pintor sino además una cierta incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época. Ese grito de incomprensión y desesperación, incluye algo de lo que respiró a lo largo de su vida en Cristiana y más tarde en París, la lucha contra un sistema socioeconómico que no entendía. (Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial.)

 Mencionar también la influencia que tuvo el Grito y la obra de Munch en general, sobre el expresionismo alemán. En concreto la influencia que ejerció Munch sobre la corriente artística el Puente.

 Nedick's

Obra de 1970 del pintor hiperrealista norteamericano Richard Estes. Se trata de un Oleo sobre lienzo de 121,9 x 167,6 cm perteneciente a la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza. Destaca por el complejo tratamiento de las superficies con luz refractada.

(Óleo sobre tela – Barroco. 44,5 x 39)

La joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, La Mona Lisa holandesa y La Mona Lisa del norte, es una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya.

Vincent Icke, un astrónomo y artista holandés, afirma que tal vez el brillo de la famosa perla del cuadro de Vermeer sea engañoso y se trate, simplemente, de una lámina de plata pulida. O bien de una esfera de cristal veneciano cubierta con un barniz.

A favor de la teoría de Icke juega un factor histórico, y es que el título original del óleo del maestro del Siglo de Oro no era ni mucho menos el actual. En el inventario más antiguo de su obra, efectuado en 1676, aparece como Un retrato al estilo turco. Luego pasó a llamarse Joven con turbante, y también Cabeza de joven. En 1995, un catálogo razonado del pintor lo denominó La joven de la Perla, y así continúa.

El estudioso argumenta que “una perla natural no suele tener ese tamaño, y las capas de carbonato de calcio y de conquiolina (una proteína) que forman el nácar tendrían que ser blancas; perladas. En el cuadro, por contra, las zonas oscuras producen un efecto de espejo”, señala, en la revista. En conclusión, y teniendo en cuenta la carestía de las perlas en el siglo XVII, “lo más probable es que se trate de plata, o bien estaño, muy pulimentado”. Por otra parte, la obra era un tronie (rostro), un género propio del barroco flamenco holandés que servía para que el pintor mostrara su habilidad. La identidad del personaje retratado era lo de menos. No como con las clientas pudientes, que posaban con pulseras, collares y bordados rebosantes de perlas. Ellas subrayaban su estatus y el artista se lucía pintándolas.

Icke habla de plata o estaño para el pendiente de la enigmática muchacha. En el año 2004, sin embargo, la propia Real Galería Mauritshuis, de La Haya, donde se expone, ya sugirió que tal vez no pudiera hablarse de una perla. “Su gran tamaño, natural y no cultivada, y el hecho de que solo pudieran pagarlas los ricos (…) tal vez la chica lleva una preciosa ‘perla’ artesana”, reza el catálogo publicado entonces.

Pero esta historia de misterios no estaría completa sin el poder ejercido por la literatura y el cine en la imaginación colectiva. La novela La joven de la Perla, de la escritora estadounidense Tracy Chevalier, tuvo gran éxito en 1999. Allí, la joven era una sirvienta de la familia Vermeer con dotes para apreciar los colores, que se enamora del artista. El retrato surge en un arrebato de inspiración, y la joya es auténtica y de la señora Vermeer, una dama de la buena sociedad. Cuando la obra fue llevada al cine en 2003 por Peter Webber, la actriz Scarlett Johansson posó como la muchacha que luce, por un momento, un tesoro. El pendiente pasó a convertirse en un icono. La propia Mauritshuis vende réplicas en su tienda de recuerdos sin problemas.

Ante la duda de los eruditos y la observación del astrónomo, Quentin Buvelot, conservador jefe de la Galería, admite que rebautizar el cuadro como La joven que lleva un pendiente parecido a una perla, resulta poco atractivo. Además, siempre quedará ella, y su mirada.

Los monasterios otomanos fueron responsables de algunos de los más importantes manuscritos iluminados de la historia, todo lo lograron gracias a la poyo del Emperador Otón y los obispos.

La pintura otomana se considera el renacimiento de la pintura medieval, además de aplicar ciertos caracteres expresividad. También contiene iconografía romana y bizantina, logrando así fundirlo todo para llegar a un punto donde expresa esa exquisita suntuosidad.

Los principales motivos de estas pinturas eran: los paisajes, los motivos arquitectónicos y los retratos de emperadores.

Los románticos o Suicida,

pintura de Leonardo Alenza

(h. 1837; Madrid, Museo del Romanticismo).

Si alguien se pusiese a copiar Las Meninas, totalmente con buena fe, al llegar a cierto punto y si el que las copiara fuera yo, diría: ¿Y si pusiera esta un poquito más a la derecha o a la izquierda? Yo probaría de hacerlo a mi manera, olvidándome de Velázquez. La prueba me llevaría de seguro a modificar la luz o a cambiarla, con motivo de haber cambiado de lugar algún personaje. Así, poco a poco, iría pintando unas Meninas que serían detestables para el copista de oficio, pero serían mis Meninas.

Picasso, 1950.

Las Meninas es una serie de 58 cuadros que Pablo Picasso pintó en el año 1957 en la que realizó un análisis exhaustivo, reinterpretando y recreando varias veces Las Meninas de Diego Velázquez. La suite se conserva íntegramente en el Museo Picasso de Barcelona.

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

de El Bosco

El jardín de las delicias es una de las obras más conocidas del pintor holandés Hieronymus Bosch (El Bosco). Se trata de un tríptico pintado al óleo sobre tabla de 220 x 389 cm la tabla central y 220 x 97 cada una de las dos tablas laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.

Obra de contenido simbólico, sobre el que se han ofrecido variadas interpretaciones, como El carro de heno o la Mesa de los pecados capitales, obras todas ellas adquiridas por el rey Felipe II de España, gran admirador del pintor, y guardadas durante algún tiempo en el Monasterio de El Escorial, obedece a una intención moralizante y satírica que iba a hacer fortuna ya en su época como demuestra la temprana aparición de copistas e imitadores.

Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en 1939.

SAYAKA KAJITA GANZ

Sayaka Kajita Ganz es una artista Japonesa que vive y trabaja en Fort Wayne, Indiana (USA). Sayaka crea impresionantes esculturas inspiradas en animales y en la naturaleza utilizando materiales reciclados, así como utensilios decocina, etc. “Con la construcción de estas esculturas Trato de entender las relaciones humanas que me rodean. Es una manera para mí para contemplar y recordarme a mi mismo que, incluso si hay un conflicto en este momento, hay un camino para que todas las piezas encajen. Que aunque algunas personas no se sienten a gusto aquí y ahora, hay un lugar al que pertenecen y que con el tiempo, lo encontrarán.”

EL  GRAFFITI

¿OBRA DE ARTE?

Entendida como una de las expresiones de arte urbano más populares y características de la actualidad, el graffiti no es más que un dibujo o una obra de arte pictórica realizadas en las paredes y muros de la calle. Así, el graffiti no se mueve o muestra dentro de círculos intelectuales o privados de arte sino que se caracteriza por ser expuesto de manera pública para que todos lo vean y disfruten día a día. El graffiti es por lo general anónimo y puede tener diferentes objetivos en lo que respecta a la razón de su realización: mientras algunos son meramente artísticos, otros son formulaciones políticas, otros de protesta y muchos otros son simples mensajes sin mayores pretensiones

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente,como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivodel color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas

EL GUERNICA   

PABLO PICASSO

 JUNIO  2.013

PASEO POR LA PLAYA 1.909

Joaquín Sorolla

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, provincia de Madrid, 10 de agosto de 1923) fue un pintor y artista gráfico español. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Etiquetado a veces como impresionista, en realidad su estilo maduro se define mejor como luminista.

NOCHE ESTRELLADA

Siendo uno de los pintores más influyentes de la historia, en vida vendió solo una obra. Los cuadros de Van Gogh se consideran postimpresionistas, su estilo fue tomado como ejemplo en el desarrollo posterior del abstracto, fauvista y expresionista. Las pinceladas puntillistas y líneas ondulantes de los cuadros son consideradas sublimes por los expertos, el pintor no sólo dominaba una técnica innovadora para su tiempo, sino que logró construir una propuesta estética sólida, en la que conviven trazos impresionistas, contrastes surrealistas y formas con gran fuerza.

Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su amante. Se ha convertido en el símbolo de toda una época, el Rococó, por su refinamiento y sensualidad.

Representa una escena galante en un ambiente idílico, probablemente un suntuoso jardín privado. Una joven se balancea en el columpio que empuja un hombre mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven (amante de la mujer).

El adulterio, un pecado duramente criticado en las clases proletarias, era aceptado como algo natural en las clases altas. En la aristocracia del siglo XVIII eran muy comunes las bodas por interés, concertadas para aliar sagas familiares y concentrar poder y riqueza. Las parejas nobles asumían el objetivo sólo material de sus matrimonios, y tras asegurar la descendencia, muchas solían vivir su sexualidad por separado.

Buscando la luz I. Eduardo Chillida

Gran pieza en acero corten situada en el parque del Museo Chilida-Leku

The Lady of Shalott 1888

The Lady of Shalott o La Dama de Shalott es una de las obras más conocidas del pintor Pre-Rafaelita John William Waterhouse, pintada en 1888 y actualmente visitable en la Galeria Tate Britain de Londres.Como pintor prerafaelita, romántico y neoclásico, a Waterhouse le gustaba la temática de corte medievalista fantástico. El pintor realizó tres obras sobre el mismo tema, inspiradas en un poema con el mismo título de Tennyson (poema de 1832), que forma parte de la antología clásica victoriana: The Lady of Shalott (1888), Lady of Shalott. Looking for Lancelot (1894), y I am half sick of shadows, said the Lady of Shalott (1916).

San Jorge y el dragón , la escena se sitúa en un terreno cubierto de los macabros restos de la comida del dragón, donde se enfrentan el santo y el mencionado monstruo, retratado casi en posición heráldica. A la derecha está la princesa, detrás de la cual un arco de piedra deja ver el mar con un velero. A la izquierda parece una fabulosa ciudad oriental.

http://es.wahooart.com/A55A04/w.nsf/Opra/BRUE-8EWS9D

http://www.youtube.com/watch?v=0U0X_wP0vMc
http://www.youtube.com/watch?v=w-WgphHsAn0
http://www.youtube.com/watch?v=GHY97Ea2PPc

Paisaje con la caída de Ícaro

Pieter Brueghel el Viejo, 1554-55



Óleo sobre lienzo. 73.5 × 112

Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica. Bruselas.

JOVEN CAE DEL CIELO Y SE MATA

Agencia. En la tarde del pasado sábado un joven llamado Ícaro Dédalez cayó del cielo precipitándose a al mar donde pereció. Parece ser que el muchacho pretendía volar y alcanzar el sol utilizando un artefacto de su invención consistente en una masa de plumas de ave sujetas con cera a sus brazos.

Técnicos de navegación aérea consultados por esta agencia sostienen que la causa del accidente pudo deberse al desprendimiento de las plumas. “A medida que ascendía en altitud y al aproximarse al sol, pudo provocarse un calentamiento de la cera que sujetaba las plumas, desprendiéndose éstas y precipitándose el aeronauta al vacío”.

Así daría la noticia un periódico de hoy. La historia pertenece a la mitología clásica, nos la cuenta Ovidio en sus Metamorfosis: Ícaro, el hijo de Dédalo, consiguió volar con plumas y cera. Pero, en su ambición encontró la muerte. Se acercó tanto al sol que la cera se fundió y el joven cayó al mar. Así terminan muchas ambiciones humanas. ¿Pero dónde diablos está Ícaro en el cuadro. Brueghel no nos presenta al audaz muchacho en lo alto, como sería de esperar. No está en el cielo, ya ha caído al mar. Debemos esforzarnos para encontrarlo, solo podemos ver una pierna, el resto del cuerpo ya se ha hundido en las aguas del mar. Está junto al navío grande. La ambición del muchacho ha sido castigada.

En el relato de Ovidio se habla también del labriego, el pastor y el pescador, pero el pintor Brueghel no va a representarlos según la descripción que hace Ovidio. Éste había escrito: “Están asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter” ¿Asombrados? En absoluto, en el cuadro estos tres van a lo suyo, son totalmente ajenos a la tragedia. Les importa un rábano la suerte del ambicioso y el castigo de los dioses. Hay un proverbio flamenco que dice: “Nadie para su arado porque un hombre muera”. La vida sigue, la humanidad es insensible al sufrimiento. Los hombres siguen con sus quehaceres mientras Ícaro muere. El labrador con su arado, el pescador con su sedal, el pastor apacienta el ganado.

¿Quién ve la muerte de Ícaro? La perdiz. Solo la perdiz que está posada en el matorral cercano al pescador. ¿Qué simboliza la perdiz?